✕
Nhân dịp khai trương Phòng trưng bày Conde M. Nast mới tại Bảo tàng Metropolitan ở New York và buổi triển lãm khai mạc Nghệ Thuật Trang Phụchai kiến trúc sư có uy tín đã tình cờ nghe được lời phàn nàn. Lời trách móc của họ cho rằng đây là khởi đầu cho sự kết thúc đối với tầm vóc của các bảo tàng nghệ thuật. “Nó bắt đầu với buổi trình diễn Armani tại Guggenheim năm 2000,” một người khẳng định. “Và việc đặt các phòng trưng bày tập trung vào thời trang bên cạnh Grand Hall ở Met có nghĩa đây là gian hàng đầu tiên bạn nhìn thấy khi bước vào,” người kia lưu ý. Chúng tôi sẽ không nêu tên hai nhà phê bình này, đề phòng trường hợp giám đốc kiêm Giám đốc điều hành Met Max Hollein có thể đưa họ vào danh sách RFP của anh ấy để cải tạo / mở rộng trong tương lai. Trong vài năm gần đây, Hollein, người đứng đầu bảo tàng rất có uy tín và cũng là con trai của kiến trúc sư nổi tiếng người Áo Hans Hollein, đã thuê các kiến trúc sư mới nổi để cải tạo nhiều bộ phận giám tuyển khác nhau—Frida Escobedo, Kulapat Yantrasast của WHY, và Nader Tehrani của NADAAA trong số đó.
Công trình sắp đặt của Miyake Design Studio nằm ở phía trước bức tường phía sau của Phòng trưng bày Cao, được đánh dấu bằng dấu vết tàn tích lịch sử của các công trình kiến trúc trước đây của Met. Ảnh © Nicholas Calcott
Giờ đây, Phòng trưng bày Conde M. Nast rộng 12.000 foot vuông, được thiết kế bởi công ty trẻ Peterson Rich Office (PRO) ở Brooklyn, lại cung cấp một thành phần kiến trúc quan trọng khác cho danh sách đó. Tuy nhiên, với hai khu vực trưng bày trang phục tại Met—Trung tâm trang phục Anna Wintour hiện có ở tầng hầm cộng với cụm mới dễ thấy hơn ở tầng chính—thời trang, được gọi bằng cái tên nghiêm túc hơn, “trang phục”, đã đạt đến một vị trí đáng ghen tị trong phạm vi giám tuyển của Met. Cha của giám đốc bảo tàng, Hans, có câu nói nổi tiếng: “Alles ist Kiến trúc sư” vào năm 1968. Một số người hoài nghi về kiến trúc tự hỏi liệu động thái mới nhất của con trai ông có phải là chuyển câu châm ngôn đó sang “Tất cả đều là thời trang” tại Met hay không. Nghệ Thuật Trang Phụcđược xem cho đến ngày 10 tháng 1 năm 2027, nhấn mạnh mối liên hệ của quần áo, đầm, thời trang—bạn gọi nó là gì—với thế giới nghệ thuật vinh quang hơn, với 200 tác phẩm được xem từ các bộ phận khác.
Phòng trưng bày
Để ghi nhận công lao của họ, Đội tiên phong thiết kế năm 2018 Miriam Peterson và Nathan Rich đã mang đến cho bảo tàng một khung cảnh kín đáo, tĩnh lặng và trang nhã. Với các vật liệu mới, chẳng hạn như những bức tường trát marmorino màu xám ấm áp và sàn thạch anh màu xám nhạt, nó kết hợp các bộ phận của cấu trúc Met cũ để tạo ra một khung cảnh linh hoạt nhưng yên tĩnh cho các cuộc triển lãm sắp tới. Phòng trưng bày Conde M. Nast, được đưa vào cửa hàng, ban đầu là một khoảng sân rộng tiếp giáp với tòa nhà bảo tàng đầu tiên của Met, một công trình theo phong cách Gothic Ruskinian do Calvert Vaux và Jacob Wrey Mold thiết kế vào năm 1880, và cũng liền kề với phần mở rộng của Theodore Weston và Arthur L. Tuckerman vào năm 1888. Các phòng trưng bày mới nhất được đưa vào Đại sảnh đường, do Richard Morris Hunt tạo ra vào năm 1902, khi khu trưng bày nghệ thuật beaux của Hunt trở thành mặt tiền chính cho Met.
Khi du khách đi bộ qua Đại lễ đường, họ sẽ đến Phòng trưng bày Định hướng Conde M. Nast qua những cánh cổng cao 18,5 foot được đóng khung bằng đá vôi Indiana. Từ đó, những cánh cửa gỗ sồi lớn đón du khách vào Phòng trưng bày Cao, một không gian rộng lớn rực rỡ với trần nhà cao 21 foot. Các dầm cơ sở hạ tầng chứa HVAC, vòi phun nước và thiết bị chiếu sáng đi ngang qua phòng. Để duy trì mức ánh sáng ở mức 5 foot nến, do tính nhạy cảm của trang phục mỏng manh và đồ vật nghệ thuật tinh xảo, PRO đã sử dụng hệ thống chiếu sáng gián tiếp và các điểm kín đáo, tất cả đều là đèn LED 3000K. Đối với cuộc triển lãm hiện tại, công ty đã lắp đặt tấm lụa mờ để phân vùng các tác phẩm được trưng bày trong các tủ trưng bày độc lập, để có thể duy trì tầm nhìn xuyên suốt, một cách thanh tao. Tủ kính bằng gỗ được sơn màu xám ấm chứa các tác phẩm nghệ thuật được đặt trong các bệ cao 6 feet nằm trên nền thạch cao mộc mạc cao 12 inch; trên bục là những ma-nơ-canh mặc trang phục được chọn cho cuộc triển lãm hiện tại.
Cổng vào Phòng trưng bày cao. Ảnh © Nicholas Calcott
Ở bên cạnh là Phòng trưng bày Thấp, được chỉ định cho các tác phẩm có quy mô gần gũi hơn. Khi du khách len lỏi qua không gian rộng 4.750 foot vuông, họ quay trở lại Phòng trưng bày Cao, nơi bức tường phía sau để lộ dấu vết gạch và đá granit hơi mục nát liên quan đến các dinh thự cũ. Sự kết hợp giữa những tàn tích đương đại và lịch sử tạo thành một nốt kết thúc ấn tượng cho quỹ đạo; du khách có thể tới một cửa hàng nhỏ bán Nghệ Thuật Trang Phục các danh mục hoặc sang phía bên kia, nơi những cánh cửa ốp gỗ sồi dẫn đến các phòng Byzantium.
Triển lãm
Peterson và Rich đặc biệt may mắn khi được giao thiết kế sắp đặt bên cạnh việc chuyển đổi phòng trưng bày của họ, đặc biệt là vì không gian mới được cải tạo của Viện Trang phục sẽ mở cửa cùng lúc với Met Gala 2026 được quảng bá rầm rộ. Trên hết, Andrew Bolton, người phụ trách Viện Met và Viện Trang phục, muốn nhấn mạnh mối liên hệ vượt thời gian giữa quần áo và nghệ thuật, đồng thời điều tra cách thời trang cao cấp phản ánh và được phản ánh qua “chân dung, lịch sử vật chất và cách nhận dạng đã được xây dựng theo thời gian”.
Cơ thể trừu tượng, với váy của Worth và Bobergh và House of Dior. Bức tranh là của Franz Xaver Winterhalter (1859). Ảnh © Anna-Marie Kellen/Bảo tàng nghệ thuật Metropolitan
Lời tuyên bố này làm tôi nhớ tới Đáng giá: Phát minh ra thời trang cao cấpmột cuộc triển lãm dành riêng cho House of Worth được tổ chức vào mùa hè năm 2025 tại Petit Palais của Paris. Nó được chứng minh là sự tích hợp rõ ràng giữa văn hóa xã hội, tiểu sử, hội họa và nhiếp ảnh với thời trang. Chương trình Met không hoàn toàn đi theo hướng đó. Trang phục gắn liền với nghệ thuật ở đây mang tính toàn diện hơn, không quá cao cấp. Và nó tìm kiếm một nền tảng trí tuệ dựa trên “cơ thể”. Như Bolton nói: “Tôi muốn tập trung vào vị trí trung tâm của cơ thể mặc quần áo trong bảo tàng, kết nối các hình ảnh nghệ thuật về cơ thể với thời trang như một loại hình nghệ thuật hiện thân”. Được rồi, chúng tôi hiểu rồi.
Vì vậy, bên cạnh dòng dõi nghệ thuật được ca tụng, Nghệ Thuật Trang Phục trình bày các chủ đề khác nhau về thiết kế thời trang dựa trên các loại cơ thể—không chỉ thiết kế trang phục có tỷ lệ cổ điển được chấp nhận theo truyền thống ở phương Tây, mà còn cả quần áo dành cho “người mang thai, người béo phì và người khuyết tật”, vốn từ lâu đã bị coi là lạnh lùng trong thế giới thời trang cũng như các triển lãm bảo tàng, và, với những trường hợp ngoại lệ hiếm hoi gần đây, các tạp chí.
Cơ thể cổ điển. Ảnh © Anna-Marie Kellen/Bảo tàng nghệ thuật Metropolitan
Cơ thể mang thai và mập mạp trong Phòng trưng bày cao. Ảnh © Anna-Marie Kellen/Bảo tàng nghệ thuật Metropolitan
Đúng là một phần hay của chương trình cố gắng làm cho cơ thể con người phần nào thoải mái và tự hào về bản thân một cách hợp pháp — thậm chí là có phẩm giá. Các phần trên Phần thân cổ điển (ví dụ: thời trang lấy cảm hứng từ các bức tượng Hy Lạp-La Mã) và Phần thân trừu tượng (ví dụ: trình diễn thời trang cao cấp với đường viền crinoline) là những ví dụ điển hình và đầu ma-nơ-canh với khuôn mặt phẳng, được tráng gương do nghệ sĩ Samar Hejazi thiết kế rất phù hợp. Mặc dù đã có rất nhiều nỗ lực và nghiên cứu để tạo ra một cuộc triển lãm thu hút đông đảo khán giả nhưng liệu buổi triển lãm có thành công đúng sứ mệnh của mình không? Trong rất nhiều trường hợp, những thứ pha chế “hiện thân” này gây khó chịu, không dễ mặc hay ngồi vào…. và không có phẩm giá, chỉ có cú sốc. Và nói về việc tiếp cận mọi người, tôi có thể liên tưởng đến phần Cơ thể Lão hóa. Tôi có vấn đề đó. Vì vậy, có lẽ thật thú vị khi đọc nhãn triển lãm: “Cơ thể già nua mặc quần áo bị vướng vào một phép biện chứng giữa sự hiện diện thẩm mỹ và sự xóa bỏ xã hội.” Nhưng khi tôi nhìn vào các thiết kế của Harry Pontefract (“Chân” hoặc “Vớ,” 2025) và so sánh chúng với tác phẩm điêu khắc của Sarah Lucas khỏa thân Cycladid 9 (2010) Tôi không nghĩ mình đã tìm thấy danh tính của mình. Tôi cũng không thể mặc những chiếc xúc xích đó mà không cảm thấy bị xã hội xóa bỏ. Tôi không chắc bộ trang phục này có thể giúp tôi tỏa ra chút vẻ thẩm mỹ hay không. Nói thế đủ rồi, nhưng còn nhiều ví dụ nữa.
Phần Cơ thể Lão hóa có các thiết kế của Harry Pontrefract (“Chân” và “Vớ,” 2025) ở hai bên tác phẩm điêu khắc của Sarah Lucas khỏa thân Cycladid 92020). Ảnh © Anna-Marie Kellen/Bảo tàng nghệ thuật Metropolitan
Tin vui là một cửa hàng và cơ sở ăn uống mới đã được lên kế hoạch cho tầng hầm (hay còn gọi là tầng trệt) của Met ở lối vào Phố 83. Và PRO, hợp tác với Beyer Blinder Belle với tư cách là kiến trúc sư điều hành, cũng đang thiết kế không gian mới này gần Viện Trang phục hiện có. Vì vậy, “Tất cả đều là Kiến trúc” tại Met, ngay cả khi Thời trang chiếm được vị trí đáng tự hào… vào thời điểm hiện tại.
